La monodia es un canto único, se compone de una sola linea melódica. Es lo contrario a la polifonía. Se canta (o toca) al unísono y en ocasiones, se utilizan las octavas para darle mayor textura.
Es la sucesión de sonidos percibidos por una sola entidad. Se desarrolla linealmente y cada nota tiene su significado musical dentro de esta. Se combina con alturas y ritmos diferentes. También es la conjunción de distintos sonidos que están ordenados al gusto del autor.
Polifonía
Poli = Muchos; Fonos = Sonidos.
Es la simultaneidad de sonidos con diferentes alturas, ritmos y muy independientes para buscar una armonía en conjunto.
La palabra Contrapunto proviene del Latín "punctum" que quiere decir "nota contra nota" . Es una técnica de Composición musical que analiza la relación de dos o más voces independientes para obtener un equilibrio armónico. (Casi toda la música Occidental está compuesta bajo las reglas del Contrapunto) Se comenzó a desarrollar esta técnica en el siglo XV, tiempo despues, en el Renacimiento se completo su estructuración con reglas, etc. Desde la música del Barroco hasta nuestros días se han utilizado estos lineamientos. El contrapunto, básicamente es la escritura de lineas musicales diferentes entre sí y que al tocarse tengan una armonía. El contrapunto se concentra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción. El objetivo es que se escriban cuantas melodías se requiera para que al momento de ejecutarse simultáneamente, sea rico en armonía. Reglas
No se pueden utilizar 5tas. y 8vas. paraleas. (Que las notas se muevan en la misma dirección)
Se utiliza el Movimiento Oblicuo: una de las voces no se mueve mientras la otra sube y baja
Se usa el Movimiento Contrario: una voz sube mientras la otra baja y es la que más aumenta la independencia de las líneas melódicas.
Tipos de contrapunto Nota contra nota: Las notas de todas las voces suenan simultáneamente y se mueven una contra la otra al mismo tiempo. Se usa el movimiento contrario cuantas veces sea posible.
Comenzar y terminar en unísono, octava o quinta, a menos que la voz añadida sea inferior, en cuyo caso se comienza y termina solamente en unísono u octava.
No utilizar unísono excepto al principio o al final.
Evitar las quintas u octavas paralelas entre dos voces cualesquiera y evitar las quintas u octavas paralelas "ocultas". Es decir, se mueve por movimiento contrario hacia una quinta o octava perfectas, a menos que una parte (a veces limitada a las vocessuperiores) se mueve por grados conjuntos.
No moverse en cuartas paralelas. (En la práctica, Palestrina y otros con frecuencia se permiten progresiones de este tipo, especialmente si no involucran a la más baja de las voces).
No moverse en terceras o sextas paralelas durante mucho tiempo.
Tratar de mantener dos voces adyacentes dentro de una distancia de décima entre ellas, a menos que pueda crearse una línea melódica excepcionalmente agradable moviéndose fuera de ese rango.
Evitar que las dos partes se mueven en la misma dirección por el salto.
Tratar de introducir tanto movimiento contrario como sea posible.
Evitar los intervalos disonantes entre dos voces cualquiera: las segundas mayores y menores, las séptimas menores, cualquier intervalo aumentado o disminuido así como las cuartas perfectas (en muchos contextos).
Dos notas contra una:dos notas de cada una de las voces agregadas se contraponen a cada nota más larga de la voz dada.
Se permite comenzar en un tiempo débil del compás, dejando unsilenciodeblancaen la voz que se añade.
El tiempo fuerte del compás sólo debe contener consonancias (perfectas o imperfectas). El tiempo débil puede contener disonancias, pero sólo como notas de paso, es decir, debe ser abordado y resuelto por grados conjuntos en la misma dirección.
Evitar el intervalo de unísono salvo al principio o al final del ejemplo, con la excepción de que puede producirse en una parte no acentuada del compás.
Tener cuidado con las quintas u octavas perfectas acentuadas sucesivas, que no deben ser utilizadas como parte de un patrón secuencial.
Cuatro (o tres, seis, etc.) notas contra una: En este tipo de contrapunto cuatro notas se mueven contra cada nota más larga de la voz dada.
Es importante el estudio del contrapunto de cuatro contra cuatro, por las posibilidades de la línea melódica de evolucionar nota a nota y por el efecto que los diferentes giros melódicos suponen a la línea melódica.
Sincopado: Como lo dice su nombre, se utilizan las sincopas en la linea melódica.
(Sincopa: estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo, por medio de la acentuación de una nota)
Florido: Es la combinación de los 4 tipos de contrapunto anteriormente mencionados.
Este periódo fue para el esplendor de algunos instrumentos como del violín, el órgano y el clavecín. Se empezó con la música de Cámara para grupos instrumentales. El clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. En la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán
totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el
violín, el violonchelo y el pianoforte.
Es un instrumento que pertenece a los de cuerda frotada por arco, su diapasón está separado por trastes y se utilizó mucho en Europa a finales del siglo XV y las últimas décadas del XVIII. El último modelo tiene 6 cuerdas, afinadas por cuartas y entre las medias tiene una tercera. Puede tener distintos tipos de afinacion como:
El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol".
La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re".
La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'.
La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'
Etc.
Su nombre significa "Viola de pierna", en Italiano. Recibe este nombre por la pocisión en la que la sostiene el músico, entre sus piernas. Las características de ésta viola son que: su diapasón es curvo, caja con hombros caídos, tabla armónica tallada, puente curvo, clavijero tallado para decaración.
El bajo cifrado es un sistema de notación musical desarrllado en el periódo Barroco. Sirve para cambiar el órden de las notas de un acorde, ya que en el proceso de la composoción hay un punto que se le llama "Armonía", en el cual, el compositor puede tener algunos probemas con el acomodo de las notas, así que se diseñó este sistema para facilitar este proceso. El órden de un acrode es, básicamente 1er. grado (tónica), 3er. grado (mediante) y el 5to. grado (dominante). Si se utiliza este bajo cifrado, forzosmente el grado sobre el cual se va trabajar, ya que el bajo (linea de clave de Fa) puede ser el 1er., 3er. o 5to. grado de un acorde. Cuando se recurre al bajo cifrado, se debe cifrar en la parte inferior junto al grado de la escala que se quiera utilizar (sea del I al VII), con números, que significan los intervalos de nota a nota escrita en el pentagrama.
(El 6 es la distancia de la primera a la tercer nota; el 3 y el 4 la distancia de la primera a la segunda nota)
El órgano es un instrumento de teclado clasificado en los instrumentos aerófonos, ya que el sonido que produce es producto del paso del aire en tubos de diferentes tamaños. Otro instrumento de aire con teclado puede ser el acrodeon El timbre de éste, dependerá del material, de la forma, del tamaño o del mecanismo del instrumento. Se debe de tocar con las manos y los pies. Antes, el aire se suministraba por unos fuelles que se movían a mano, hoy en día se usan compresores de aire para tocarlo.
Partes de un órgano:
Caja: Estructura que sostiene al instrumento con fines funcionales y estéticos
Consola: Estructura que contiene todos los mandos que utiliza el organista para tocar, y sus partes son:
Manual(es): Teclado(s) que se tocan con las manos
Pedalero: Teclado que se toca con los pies
Registros: Botones o palancas que seleccionan el tipo de sonido o timbre deseado
Tubería: tubos o flautas de diferentes longitudes y materiales encargadas de producir el sonido. (se organizan en juegos o registros: graves. agudos)
Secreto: Caja provista de un sistema de válvulas y canales de aire en la cual se apoyan los tubos del órgano.
Mecanísmo: Sistema que vincula los movimientos de los teclados y otros mandos de la consola hacia el secreto.
Fuelles: Aparato que provee de aire al órgano para su funcionamiento, estos pueden ser accionados manualmente o con motor eléctrico. (depende del tamaño y la cantidad de tubos que se utilicen, el órgano necesitará una mayor o menor presión en el aire suministrado)
Es un instrumento de cuerda percutida y sonido débil, nacido en Europa. Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se pellizca la cuerda con una púa de metal insertada en el extremo contrario de la tecla (tangente). Esta tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en
su longitud.La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente
determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la
cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro
agudo. El intérprete puede hacer una pequeña vibración con el sonido (vibrato), en alemán Bebung (temblor). El clavicordio, a diferencia del clave, posee "respuesta al tacto": según la fuerza del ataque
se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. A
partir del mecanismo del clavicordio, que permite tocar con diferentes
dinámicas entre el piano (suave) y el forte (fuerte), los italianos crearon el pianoforte (el actual piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave.
Clavecín
El clavecín aparece en Europa a finales del siglo XIV. Las primeras imágenes de clavicordios relativamente evolucionados
aparecen en vitrales, cuadros, relieves y manuscritos del siglo XV
procedentes de diversos países, entre ellos Alemania, Inglaterra,
España, los Países Bajos y Suecia. En el siglo XVI, el clavicordio se popularizó en toda Europa. En aquella
época no se compuso música específica para clavicordio, aunque algunas
portadas lo mencionan como posible sustituto del virginal o del clave.
Con el paso del tiempo, su uso declinó en Francia, Inglaterra y Holanda,
mientras seguía manteniendo su popularidad en Alemania, Escandinavia,
España y Portugal.
El clave puede tener varios grupos de cuerdas, denominados juegos. A través de
pedales o tiradores, el intérprete puede hacer que suene alguno de ellos
de manera independiente, o bien varios de ellos a la vez. Puede tener
uno o dos teclados, superpuestos, como ocurre en el órgano. Siempre produce la misma intensidad de sonido. El clavecinista no puede modificar el volumen sonoro según la intensidad
de pulsación de la tecla. Esto se debe a que las cuerdas son pinzadas
por puntas de pluma de cuervo situadas en lengüetas accionadas por las
teclas.
Pueden construirse claves con 49 teclas y un solo sonido según modelos
de otras épocas, pero al mismo tiempo, existen clavecínes de 61 teclas por
teclado, con dos teclados y varios sonidos.
Clave
El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro pianomoderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas.
