La monodia es un canto único, se compone de una sola linea melódica. Es lo contrario a la polifonía. Se canta (o toca) al unísono y en ocasiones, se utilizan las octavas para darle mayor textura.
Es la sucesión de sonidos percibidos por una sola entidad. Se desarrolla linealmente y cada nota tiene su significado musical dentro de esta. Se combina con alturas y ritmos diferentes. También es la conjunción de distintos sonidos que están ordenados al gusto del autor.
Polifonía
Poli = Muchos; Fonos = Sonidos.
Es la simultaneidad de sonidos con diferentes alturas, ritmos y muy independientes para buscar una armonía en conjunto.
La palabra Contrapunto proviene del Latín "punctum" que quiere decir "nota contra nota" . Es una técnica de Composición musical que analiza la relación de dos o más voces independientes para obtener un equilibrio armónico. (Casi toda la música Occidental está compuesta bajo las reglas del Contrapunto) Se comenzó a desarrollar esta técnica en el siglo XV, tiempo despues, en el Renacimiento se completo su estructuración con reglas, etc. Desde la música del Barroco hasta nuestros días se han utilizado estos lineamientos. El contrapunto, básicamente es la escritura de lineas musicales diferentes entre sí y que al tocarse tengan una armonía. El contrapunto se concentra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción. El objetivo es que se escriban cuantas melodías se requiera para que al momento de ejecutarse simultáneamente, sea rico en armonía. Reglas
No se pueden utilizar 5tas. y 8vas. paraleas. (Que las notas se muevan en la misma dirección)
Se utiliza el Movimiento Oblicuo: una de las voces no se mueve mientras la otra sube y baja
Se usa el Movimiento Contrario: una voz sube mientras la otra baja y es la que más aumenta la independencia de las líneas melódicas.
Tipos de contrapunto Nota contra nota: Las notas de todas las voces suenan simultáneamente y se mueven una contra la otra al mismo tiempo. Se usa el movimiento contrario cuantas veces sea posible.
Comenzar y terminar en unísono, octava o quinta, a menos que la voz añadida sea inferior, en cuyo caso se comienza y termina solamente en unísono u octava.
No utilizar unísono excepto al principio o al final.
Evitar las quintas u octavas paralelas entre dos voces cualesquiera y evitar las quintas u octavas paralelas "ocultas". Es decir, se mueve por movimiento contrario hacia una quinta o octava perfectas, a menos que una parte (a veces limitada a las vocessuperiores) se mueve por grados conjuntos.
No moverse en cuartas paralelas. (En la práctica, Palestrina y otros con frecuencia se permiten progresiones de este tipo, especialmente si no involucran a la más baja de las voces).
No moverse en terceras o sextas paralelas durante mucho tiempo.
Tratar de mantener dos voces adyacentes dentro de una distancia de décima entre ellas, a menos que pueda crearse una línea melódica excepcionalmente agradable moviéndose fuera de ese rango.
Evitar que las dos partes se mueven en la misma dirección por el salto.
Tratar de introducir tanto movimiento contrario como sea posible.
Evitar los intervalos disonantes entre dos voces cualquiera: las segundas mayores y menores, las séptimas menores, cualquier intervalo aumentado o disminuido así como las cuartas perfectas (en muchos contextos).
Dos notas contra una:dos notas de cada una de las voces agregadas se contraponen a cada nota más larga de la voz dada.
Se permite comenzar en un tiempo débil del compás, dejando unsilenciodeblancaen la voz que se añade.
El tiempo fuerte del compás sólo debe contener consonancias (perfectas o imperfectas). El tiempo débil puede contener disonancias, pero sólo como notas de paso, es decir, debe ser abordado y resuelto por grados conjuntos en la misma dirección.
Evitar el intervalo de unísono salvo al principio o al final del ejemplo, con la excepción de que puede producirse en una parte no acentuada del compás.
Tener cuidado con las quintas u octavas perfectas acentuadas sucesivas, que no deben ser utilizadas como parte de un patrón secuencial.
Cuatro (o tres, seis, etc.) notas contra una: En este tipo de contrapunto cuatro notas se mueven contra cada nota más larga de la voz dada.
Es importante el estudio del contrapunto de cuatro contra cuatro, por las posibilidades de la línea melódica de evolucionar nota a nota y por el efecto que los diferentes giros melódicos suponen a la línea melódica.
Sincopado: Como lo dice su nombre, se utilizan las sincopas en la linea melódica.
(Sincopa: estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo, por medio de la acentuación de una nota)
Florido: Es la combinación de los 4 tipos de contrapunto anteriormente mencionados.
Este periódo fue para el esplendor de algunos instrumentos como del violín, el órgano y el clavecín. Se empezó con la música de Cámara para grupos instrumentales. El clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. En la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán
totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el
violín, el violonchelo y el pianoforte.
Es un instrumento que pertenece a los de cuerda frotada por arco, su diapasón está separado por trastes y se utilizó mucho en Europa a finales del siglo XV y las últimas décadas del XVIII. El último modelo tiene 6 cuerdas, afinadas por cuartas y entre las medias tiene una tercera. Puede tener distintos tipos de afinacion como:
El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol".
La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re".
La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'.
La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'
Etc.
Su nombre significa "Viola de pierna", en Italiano. Recibe este nombre por la pocisión en la que la sostiene el músico, entre sus piernas. Las características de ésta viola son que: su diapasón es curvo, caja con hombros caídos, tabla armónica tallada, puente curvo, clavijero tallado para decaración.
El bajo cifrado es un sistema de notación musical desarrllado en el periódo Barroco. Sirve para cambiar el órden de las notas de un acorde, ya que en el proceso de la composoción hay un punto que se le llama "Armonía", en el cual, el compositor puede tener algunos probemas con el acomodo de las notas, así que se diseñó este sistema para facilitar este proceso. El órden de un acrode es, básicamente 1er. grado (tónica), 3er. grado (mediante) y el 5to. grado (dominante). Si se utiliza este bajo cifrado, forzosmente el grado sobre el cual se va trabajar, ya que el bajo (linea de clave de Fa) puede ser el 1er., 3er. o 5to. grado de un acorde. Cuando se recurre al bajo cifrado, se debe cifrar en la parte inferior junto al grado de la escala que se quiera utilizar (sea del I al VII), con números, que significan los intervalos de nota a nota escrita en el pentagrama.
(El 6 es la distancia de la primera a la tercer nota; el 3 y el 4 la distancia de la primera a la segunda nota)
El órgano es un instrumento de teclado clasificado en los instrumentos aerófonos, ya que el sonido que produce es producto del paso del aire en tubos de diferentes tamaños. Otro instrumento de aire con teclado puede ser el acrodeon El timbre de éste, dependerá del material, de la forma, del tamaño o del mecanismo del instrumento. Se debe de tocar con las manos y los pies. Antes, el aire se suministraba por unos fuelles que se movían a mano, hoy en día se usan compresores de aire para tocarlo.
Partes de un órgano:
Caja: Estructura que sostiene al instrumento con fines funcionales y estéticos
Consola: Estructura que contiene todos los mandos que utiliza el organista para tocar, y sus partes son:
Manual(es): Teclado(s) que se tocan con las manos
Pedalero: Teclado que se toca con los pies
Registros: Botones o palancas que seleccionan el tipo de sonido o timbre deseado
Tubería: tubos o flautas de diferentes longitudes y materiales encargadas de producir el sonido. (se organizan en juegos o registros: graves. agudos)
Secreto: Caja provista de un sistema de válvulas y canales de aire en la cual se apoyan los tubos del órgano.
Mecanísmo: Sistema que vincula los movimientos de los teclados y otros mandos de la consola hacia el secreto.
Fuelles: Aparato que provee de aire al órgano para su funcionamiento, estos pueden ser accionados manualmente o con motor eléctrico. (depende del tamaño y la cantidad de tubos que se utilicen, el órgano necesitará una mayor o menor presión en el aire suministrado)
Es un instrumento de cuerda percutida y sonido débil, nacido en Europa. Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se pellizca la cuerda con una púa de metal insertada en el extremo contrario de la tecla (tangente). Esta tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en
su longitud.La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente
determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la
cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro
agudo. El intérprete puede hacer una pequeña vibración con el sonido (vibrato), en alemán Bebung (temblor). El clavicordio, a diferencia del clave, posee "respuesta al tacto": según la fuerza del ataque
se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. A
partir del mecanismo del clavicordio, que permite tocar con diferentes
dinámicas entre el piano (suave) y el forte (fuerte), los italianos crearon el pianoforte (el actual piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave.
Clavecín
El clavecín aparece en Europa a finales del siglo XIV. Las primeras imágenes de clavicordios relativamente evolucionados
aparecen en vitrales, cuadros, relieves y manuscritos del siglo XV
procedentes de diversos países, entre ellos Alemania, Inglaterra,
España, los Países Bajos y Suecia. En el siglo XVI, el clavicordio se popularizó en toda Europa. En aquella
época no se compuso música específica para clavicordio, aunque algunas
portadas lo mencionan como posible sustituto del virginal o del clave.
Con el paso del tiempo, su uso declinó en Francia, Inglaterra y Holanda,
mientras seguía manteniendo su popularidad en Alemania, Escandinavia,
España y Portugal.
El clave puede tener varios grupos de cuerdas, denominados juegos. A través de
pedales o tiradores, el intérprete puede hacer que suene alguno de ellos
de manera independiente, o bien varios de ellos a la vez. Puede tener
uno o dos teclados, superpuestos, como ocurre en el órgano. Siempre produce la misma intensidad de sonido. El clavecinista no puede modificar el volumen sonoro según la intensidad
de pulsación de la tecla. Esto se debe a que las cuerdas son pinzadas
por puntas de pluma de cuervo situadas en lengüetas accionadas por las
teclas.
Pueden construirse claves con 49 teclas y un solo sonido según modelos
de otras épocas, pero al mismo tiempo, existen clavecínes de 61 teclas por
teclado, con dos teclados y varios sonidos.
Clave
El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro pianomoderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas.
La guitarra es un instrumento de cuerda pulsada, compuesta de una caja de resonancia de madera, un mástil sobre el que va un diapasón, con 6 cuerdas de diferentte grosor y material.
Laúd (antecesor de la guitarra) El Laúd es un instrumento antiguo que se relaciona de manera muy directa con la guitarra que conocemos hoy en día. El laúd fue un instrumento de cuerda muy utilizado entre los siglos
XIV y XVIII. El
precursor del laúd tenía la tapa hecha de piel, luego en
el siglo VII se la reemplazo con madera en su mitad superior. La afinación más característica
en el renacimiento es la siguiente: Sol, Do, Fa, La, Re, Sol. Los laúdes típicos del siglo XVIII tienen
un clavijero doblado y un mástil ancho sobre el que hay entre cinco
y siete cuerdas metálicas con las seis cuerdas dobles afinadas
por lo general en la 1-la 2, re 2-re 3, fa 3-fa 3, la 3-la 3, re 4-re
4, fa 4-fa 4.
Clavijas:Piezas de madera alargadas, con una ligera conicidad, en las cuales se enrolla la cuerda para tensarla.
Trastes:Cuerdas de tripa anudadas alrededor del mástil.
Acortan la cuerda a la longitud deseada cuando el intérprete las pisa
entre dos de estos trastes.
Mástil:Mango alargado que surge del cuerpo del
instrumento,sobre el cual se tienden las cuerdas y se ejecutan las
posiciones de la mano que se use.
Diapasón:Lámina que cubre el mástil para protegerlo del
desgaste y darle rigidez, pues sobre ella se apoyan los dedos del
ejecutante al pisar las cuerdas. Suele ser de ébano.
Caja de resonancia:Abombada, construida a partir de costillas longitudinales, con forma de media pera.
Boca:En los laúdes antiguos ostenta un rosetón decorativo finamente tallado.
Cuerdas:Seis cuerdas dobles afinadas al unísono por pares,
como las de la bandurria.Siendo de tripa las agudas y de núcleo de tripa
y entorchado de metal las graves.
Puente:Llamado también barra-cordal.En él,las cuerdas vibran
directamente desde el nudo, sin apoyarse en ninguna lámina, como en las
guitarras actuales.
Cordal:Sólo algunos laúdes medievales poseían una pieza aparte para anudar las cuerdas, pues desde la Edad Media y hasta el XVIII el puente y el cordal coincidían en una única pieza, la barra-cordal.
Aquí se puede escuchar el instrumento y se ahunda en el tema.
La guitarra
Existen dos hipótesis acerca de sus orígenes. Una de ellas le da un origen greco-romano y afirma que es un descendiente de la fidícula y la otra considera que la guitarra es un instrumento introducido por los árabes durante la conquista musulmana de la península ibérica y que posteriormente evolucionó en España. Según la primera hipótesis, estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára o kettarah, que en castellano se terminó llamando cítara. Este hecho ha dado lugar a suponer que la guitarra deriva de la cítara griega y romana,
a las que se le habría añadido un mango al comienzo de nuestra era.
Muchos estudiosos y musicólogos atribuyen la llegada de la guitarra a
España por medio del Imperio romano en el año 400. La otra hipótesis sostiene que el primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino "laúd".
Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en
España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe
bajo dominación musulmana.
Partes de la guitarra
Aquí se puede escuchar su sonido, un tanto parecido
Podríamos decir que es parecido al canto gregoriano pero el canto Bizantino era exclusivo de la Iglesia Ortodoxa en Grecia. Se usaban en sus liturgias y sus festividades. Al escucharlo nos podemos percatar de que es sin acompañamiento alguno, con una letra en griego (o árabe) y acompañado de una voz grave llamada ison (nota mantenida, nota pedal). Dentro del canto Bizantino, existen diferentes tipos de composición, llamados:
Kanónas (canon): con ritmo rápido que
los caracteriza en su interpretación. Consta de un número de odas que
varía entre 3 (durante la época del “Triodion”, periodo litúrgico que va
desde la Cuaresma al domingo de Pascua), y 9. Cada oda consiste en una
estrofa inicial que al final de la composición, se canta de un
modo lento (katavasia), y de diferentes estrofas con un metro y una
melodía similar a la del irmos, las troparia.
kontákion: son himnos muy antiguos, de gran longitud
y libertad compositiva, de los que en la actualidad tan sólo suele
ejecutarse las primeras estrofas.
Akathístos: obras también de gran envergadura (constan de 24 estrofas) y que se interpretan tan sólo en las grandes celebraciones.
Idiómelon: consiste en una composición con
estructura tanto poética como melódica individualizada y que por lo
tanto no sirve nunca de modelo a otras piezas.
Theotokío: himnos dedicados a “la Madre de Dios” (Theotokos).
kathísma: composición que da entrada a partes de la liturgia que se escuchan sentado.
Apolytíkion: piezas interpretadas habitualmente con un ritmo rápido y que sirven de despedida en los diferentes servicios.
Los Neumas son signos antiguamente utilizados para la primer escritura de la música en un tetragrama (de 4 lineas). Aparecieron entre el siglo VIII y IX.
Para el año de 1150 los neumas se escribían con cuadrados, para hacerlo más práctico.
Cada neuma recibía un nombre en específico.
Así es como se "traducen" los neumas en la notación actual.
Los modos eclesiásticos también se conocían en la Edad Media como "Cantos Gregorianos". Estos modos se contituyen de un teracorde (4 notas) y un pentacorde (5 notas). En total son 8 diferentes modos que se forman por 4 notas en sus fundamentales que son Re, Mi, Fa y Sol. Éstas notas son ls notas llamadas "finalis" (de final). Todos estos modos se dividen en dos, los auténtico y los plagales:
El auténtico-dórico y el plagal-hipodórico (Protus) es Re.
El auténtico-frigio y el plagal-hipofrigio (Deuterus) es Mi.
El auténtico-lidio y el plagal-hipolidio (Tritus) es Fa.
El auténtico-mixolidio y el plagal-hipomixolidio (Tetrardus) es Sol.
La diferencia del plagal y el auténtico es el acomodo del tetracorde y el pentacorde. En el Auténtico es primero el pentacorde y después el tetracorde, en el plagal primero es el tetracorde y después el pentacorde.
Se le llama Modo Griego a una determinada suceción de sonidos en un determinado grado para formar una escala que comparta las mismas alteraciones de la escala base o fundamental. Estos modos se utilizan para darle un sentimiento propio a una composición ya que cada modo tiene su "personalidad" y su sonoridad siferente que crea en nosotros diferentes sensaciones y emociones.
Para formar una escala se necesita de un modelo mayor de construcción a seguir, éste es tono, tono, semitono, tono, tono, tono, semitono. Si se tiene la escala de Do mayor las notas son do, re, mi, fa, sol, la y si, sin ninguna alteración (todas las teclas blancas del piano). Teniendo en cuenta esto, cada nota se le denomina como "grado". Do es el primer grado de la escala de do, Re es el segundo grado de esta escala, y así sucecivamente. En cualquier modelo mayor el primero, cuarto y quinto grado son mayores, el segundo, tercero y sexto son menores, el séptimo sera siempre un acorde disminuido. *Con esto se podrá comprender mejor lso modos griegos.
El primer modo se le llama Jónico, se forma a partir del primer grado de una escala. Se utiliza para transmitir fuerza, empuje y determinación ya que es muy armónico.
El segundo modo se llama Dórico, es a partir del segundo grado de la escala. Tiene un sonido melancólico oscuro y suave. Éste modo puede sonar con más elaboración ya que se utiliza en el Jazz, Country y Folk. Es bastante maleable ya que puede ser alegre o triste, esto dependerá de los demás elementos de la composición.
El modo Frigio, se construye a partir del 3 grado de la escala. Se puede relacionar con un sonido de maldad, siniestro, funesto. Aunque también se asocia con la relfexión, misterio y contemplación. Al escucharlo podemos identificarlo con la música Española, flamenco, andaluz o árabe.
El cuarto es el modo Lídio, con el cuarto grado de la escala. Nos puede transmitir una sensación de soñador, místico o fantasía. Transmite fé e inspiración.
Con el quinto grado se forma el modo Mixolídio. Puede transmitir mucha alegría, así como el Jónico. Se asocia con el sonido de Blues y Rock.
El sexto modo se llama Eólico, que se forma a partir del sexto grado de la escala. También es conocido como la Escala menor Natural. Tiene un sonido triste y melancólico. Puede aparecer en cualquier tipo de música.
El séptimo modo es llamado Lórico, puede sonar depresivo, sombrío y tétrico. Es un modo muy inestable por ser disminuido el séptimo grado, por eso es que no hay muchas composociones en las que se utilice.
Aquí un video explicando teórica y auditivamente estos modos.
La Edad media comprende desde el siglo V, hasta el siglo XV.Se divide en dos partes, la Alta Edad Media (del V al X) y la Baja Edad Media (del XI al XV) El sistema de gobierno todo ese tiempo fue el Feudalismo, en este periodo de desolación y desmembramiento social que es la Edad
Media, sólo una institución mantenía un poco de cohesión: la Iglesia, y
sólo ella, disponía de una cierta estabilidad y estructura donde poder
dedicar algún tiempo a cultivar el espíritu. A la Iglesia le debemos la
mínima continuidad musical con el legado de la antigüedad, como, por
ejemplo, el establecimiento de los modos eclesiásticos. La Iglesia tenía control sobre todo el pueblo, no había otra forma de vivir más que el cristianismo (catolicismo). Por este motivo es que la música empieza siendo un canto en alabanza a Dios y agradeciendole. Los cantos que se componían en esta época se caracterizan porque:
Se escribían en Latín
Música vocal (Sin instrumentos)
Melodías muy modales (Sin cambios no permitidos)
Polifonía muy elemental (Intervlos entre notas, muy cortos
Los cantos podían dividirse en tres grandes partes, que son:
El canto llano o monodia religiosa, popularmente denominado canto gregoriano.
Es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y extenso, e
incluye la gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época que se
conserva. Es música estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y
escrita a una sola voz.
La música profana o música de trovadores.
De escritura también monódica y vocal, fue creada en ambientes
aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus autores son
llamados trovadores. Su temática es amaorosa, ésta si era acompañada de instrumentos y con compás definido
La polifonía,
música escrita a varias voces y que surge por evolución de las
anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y
posteriormente también en el profano.
Existían artistas llamados Juglares, los cuáles, para la Iglesia eran errantes, profános. Ellos contaban historias, bailando, cantando, haciendo teatro, de aldea en aldea. Nunca se sabía en dónde podían estar ya que, la iglesia los perseguía a muerte. Ellos eran los encargados de que las personas no cayeran en el engaño de la Iglesia y llevar el arte a todas partes.
1440: Dulce Melos. Henricus Arnaut de Zwolle relató y describió cómo era este instrumento en ese año, era capáz de generar sonidos fuertes y suaves. No queda ningún ejemplar así que solo queda el relato.
1695: Primer piano construido por Bartolomeo Cristofori, un Italiano nacido en Padua. Lo construyó en Florencia, en la corte del principe Fernandino María de Médici, trabajaba para el.
1730: Gottfried Silbermann mejoró el mecanísmo del piano de Cristofori y empezó a construir los suyos.
1760: Se crearon escuelas en de construcción de pianos (Vienesa e Inglesa), las cuelas fueron impulsadas por discipulos de Gotfried Silbermann. Tales como Johannes Zumpe, Americus Beckers Johann Andreas Stein. Se mejoraron los dos antiguos sistemas del piano. 1776: Se crea el Piano Cuadrado, creado por Sebastián Erard. Éste modelo influyó mucho en los pianos que ahora conocemos. Ya no se construyen de estos pianos. 1795: William Stodart diseña y crea el primer Piano vertical. Aparece en londres. 1808: Mecanísmo de repetición, diseñado por Sebastian Erard.
1860: Se crea el piano de cola con cuerdas cruzadas. Lo sostenía un arpa de madera en la que se tenían los pedales para la resonancia, de unicordio y el tonal.
1863: Aparece el piano vertical moderno, creado por Steinway & Sons, queda con el mismo mecanismo del piano de cola de 1860.
Siglo XX: Aparece el piano eléctrico, al principio era un híbrido ya que contenía cuerdas y circuitos que lo hacían funcionar, dandole un sonido diferente a como se conocía.
Siglo XXI: Sintetizadores y pianos sin cuerdas, se produce el sondido de las cuerdas por medio de un sampleo (grabación del sonido original a reproducirse). Son los teclados que conocemos hoy en día con un sistema operativo bastante avanzdo, solo funciona con electricidad.
También existe el piano acústico, que produce el sonido más puro ya que el del teclado eléctrico es muy plástico y artificial. Se tuvo que ir mejorando conforme se leyó para llegar al Piano Forte que hoy vemos comúnmente.
La palabra orquesta proviene del griego orchestra que significa "lugar para danzar". Este término proviene del Teatro arena que se utilizaba en la antigua Grecia para las representaciones teatrales. Se le llamaba así al lugar frente del escenario donde se situaban los cantantes, bailarines e instrumentos. Hoy en día, se refiere al conjunto de instrumentos y músicos que los tocan.
Existen dos diferentes tipos de orquestas, la Orquesta Sinfónica (o Filarmónoica) y la Orquesta de Cámara.
La Orquésta Sinfónica se contituye por varias familias de intrumentos, como viento madera, viento metal, percusión y cuerda.
La Orquésta de Cámara abaraca todo tipo de conjuntos intrumentales, la única condición de éstas es que deben ser pequeñas. El nombre "de Cámara" proviene del siglo XVII donde las oruqestas cabían en palacios y grandes recidensias, ya que ahí se ejecutaban las piezas musicales, en salones pequeños, por eso es que deben ser pequeñas estas orquestas.
Se pueden nombrar 2 tipos de orquestas en este mismo tipo de orquesta, como:
Orquesta barroca: conjunto de instrumentos de cuerdas frotadas más o
menos estándar y reducido número, con intervenciones ocasionales de
otros instrumentos, en especial como solistas.
Orquesta de Cuerdas: Integrada por violines, violas, violonchelos y contrabajos, más clavesín o piano.
Instrumentos utilizados
Las Orquestas sinfónicas se componen de:
Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba. Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja. Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.
Así son y así suenan estos instrumentos:
Violín: Hay diferentes tamaños de este, y por consiguiente, cambia un poco el sonido.
Aquí un video de cómo suena:
Viola: Puede confundirse con el violín por su forma pero, la Viola es de mayor tamaño y su sonido es más grave.
(violín a la izquierda; viola a la derecha)
Así suena:
Violonchelo:
Así suena:
Contrabajo:
Así suena:
Arpa:
Así suena:
Piano:
Así suena:
Flauta transversa:
Así suena:
Clarinete:
Así suena:
Fagot:
Así suena:
Oboe:
Así suena:
Trompa:
Así suena:
Trompeta:
Así suena:
Trombón:
Así suena:
Tuba:
Así suena:
Percusiónes: En estos dos videos se puede apreciar el sonido de las cajas, bombos, marimbas, timbales y platos.
