Forma musical: Fuga

Tradicionalmente la fuga comienza con una exposición. Luego de la exposición el compositor alterna entre episodios y presentaciones del sujeto. Cada fuga desarrolla este esquema de forma variada de acuerdo a la inventiva y necesidades del compositor.

Consta de 3 estrictas partes para poder clasificarse como Fuga, que son:

La exposición: La exposición comienza con una de las voces presentando el sujeto. El sujeto es el nombre que damos al tema en que se basa una fuga. Una segunda voz sigue con la respuesta(veremos más adelante como se diferencia del sujeto). Las demás voces continúan presentando de manera alternada sujetos y respuestas. La exposición concluye una vez todas las voces hayan presentado el sujeto o la respuesta. En una fuga a 3 voces tendríamos sujeto, respuesta y sujeto. En una fuga a 4 voces tendríamos sujeto, respuesta, sujeto y respuesta.

El Sujeto: tema en que se basa una fuga.

La respuesta: Una vez la primera voz presenta el sujeto, alguna de las otras voces contesta con la respuesta. 

Aquí un ejemplo:

Contrapunto modal

Este tipo de contrapunto se relaciona directamente con las bases de los modos Eclesiásticos (modos Griegos). Se hereda de la Religión Cristiana. Se hace una combinación con estos modos y las reglas del contrapunto.

Estos temas se abordaron anteriormente en:

Modos Griegos, Modos Eclesiásticos y Contrapunto.

Forma musical: Canon

Es la imitación estricta intervalo por intervalo del antecedente desde el principio hasta el final de la frase. 
El canon se denomina de acuerdo al intervalo de la imitación. Los canones más usados son: canon a la quinta, a la cuarta y a la octava.

Construcción de un canon

Para realizar un canon se empezará por elegir un modo, usaremos compás de 4/2, elegir el intervalo de la imitación y el intervalo de tiempo. Luego se procederá a componer el primer compás del antecedente, y una vez hecho trasponerlo según corresponda a la voz del consecuente. Posteriormente se realizará el contrapunto del consecuente, volviendo a trasponerlo, y así sucesivamente.
En el contrapunto se preferirán las consonancias perfectas. De usar consonancias perfectas se las preferirán por movimiento contrario, u oblicuo, de ser directas solo por grado conjunto de una de las voces, y jamás paralelas. 

Canon por movimiento contrario

En este tipo de canon se crea una línea melódica, que al ser tocada al revés (de final a principio) nos da otra melodía, convirtiendo así la a melodía principal y su contraparte en un canon a dos voces.

Monodia, Melodía y Polifonía

Monodia

La monodia es un canto único, se compone de una sola linea melódica. Es lo contrario a la polifonía. Se canta (o toca) al unísono y en ocasiones, se utilizan las octavas para darle mayor textura. 

(Canto Llano, Firmus)

Melodía

Es la sucesión de sonidos percibidos por una sola entidad. Se desarrolla linealmente y cada nota tiene su significado musical dentro de esta. Se combina con alturas y ritmos diferentes. También es la conjunción de distintos sonidos que están ordenados al gusto del autor.

Polifonía

Poli = Muchos; Fonos = Sonidos.

Es la simultaneidad de sonidos con diferentes alturas, ritmos  y muy independientes para buscar una armonía en conjunto. 

Contrapunto

La palabra Contrapunto proviene del Latín "punctum" que quiere decir "nota contra nota" .
Es una técnica de Composición musical que analiza la relación de dos o más voces independientes para obtener un equilibrio armónico. (Casi toda la música Occidental está compuesta bajo las reglas del Contrapunto)

Se comenzó a desarrollar esta técnica en el siglo XV, tiempo despues, en el Renacimiento se completo su estructuración con reglas, etc. Desde la música del Barroco hasta nuestros días se han utilizado estos lineamientos.

El contrapunto, básicamente es la escritura de lineas musicales diferentes entre sí y que al tocarse tengan una armonía. El contrapunto se concentra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción.
El objetivo es que se escriban cuantas melodías se requiera para que al momento de ejecutarse simultáneamente, sea rico en armonía.

Reglas

1. No se pueden utilizar 5tas. y 8vas. paraleas. (Que las notas se muevan en la misma dirección)
2. Se utiliza el Movimiento Oblicuo:  una de las voces no se mueve mientras la otra sube y baja
3. Se usa el Movimiento Contrario:  una voz sube mientras la otra baja y es la que más aumenta la independencia de las líneas melódicas. 

Tipos de contrapunto

Nota contra nota:  Las notas de todas las voces suenan simultáneamente y se mueven una contra la otra al mismo tiempo. Se usa el movimiento contrario cuantas veces sea posible.

1. Comenzar y terminar en unísono, octava o quinta, a menos que la voz añadida sea inferior, en cuyo caso se comienza y termina solamente en unísono u octava.
2. No utilizar unísono excepto al principio o al final.
3. Evitar las quintas u octavas paralelas entre dos voces cualesquiera y evitar las quintas u octavas paralelas "ocultas". Es decir, se mueve por movimiento contrario hacia una quinta o octava perfectas, a menos que una parte (a veces limitada a las vocessuperiores) se mueve por grados conjuntos.
4. No moverse en cuartas paralelas. (En la práctica, Palestrina y otros con frecuencia se permiten progresiones de este tipo, especialmente si no involucran a la más baja de las voces).
5. No moverse en terceras o sextas paralelas durante mucho tiempo.
6. Tratar de mantener dos voces adyacentes dentro de una distancia de décima entre ellas, a menos que pueda crearse una línea melódica excepcionalmente agradable moviéndose fuera de ese rango.
7. Evitar que las dos partes se mueven en la misma dirección por el salto.
8. Tratar de introducir tanto movimiento contrario como sea posible.
9. Evitar los intervalos disonantes entre dos voces cualquiera: las segundas mayores y menores, las séptimas menores, cualquier intervalo aumentado o disminuido así como las cuartas perfectas (en muchos contextos).

Dos notas contra una: dos notas de cada una de las voces agregadas se contraponen a cada nota más larga de la voz dada.

1. Se permite comenzar en un tiempo débil del compás, dejando un silencio de blanca en la voz que se añade.
2. El tiempo fuerte del compás sólo debe contener consonancias (perfectas o imperfectas). El tiempo débil puede contener disonancias, pero sólo como notas de paso, es decir, debe ser abordado y resuelto por grados conjuntos en la misma dirección.
3. Evitar el intervalo de unísono salvo al principio o al final del ejemplo, con la excepción de que puede producirse en una parte no acentuada del compás.
4. Tener cuidado con las quintas u octavas perfectas acentuadas sucesivas, que no deben ser utilizadas como parte de un patrón secuencial.

Cuatro (o tres, seis, etc.) notas contra una:  En este tipo de contrapunto cuatro notas se mueven contra cada nota más larga de la voz dada. 

Es importante el estudio del contrapunto de cuatro contra cuatro, por las posibilidades de la línea melódica de evolucionar nota a nota y por el efecto que los diferentes giros melódicos suponen a la línea melódica.

Sincopado: Como lo dice su nombre, se utilizan las sincopas en la linea melódica.

(Sincopa: estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo, por medio de la acentuación de una nota)

Florido: Es la combinación de los 4 tipos de contrapunto anteriormente mencionados.

Instrumentos del Barroco

Este periódo fue para el esplendor de algunos instrumentos como del violín, el órgano y el clavecín. Se empezó con la música de Cámara para grupos instrumentales. El clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. En la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.

Se utilizaron principalmente estos instrumentos:

Viola da Gamba

Clavecín 

El órgano

Fagot

  

Es un instrumento clasificado en viento, de tubo cónico y lengüeta doble. 

  

Oboe

Instrumento de la familia viento madera, más agudo que el clarinete. 

  

Flauta dulce

Instrumento de viento madera, con un sonido más dulce que el de la flauta travesera.  

 

Viola da Gamba

Es un instrumento que pertenece a los de cuerda frotada por arco, su diapasón está separado por trastes y se utilizó mucho en Europa a finales del siglo XV y las últimas décadas del XVIII. El último modelo tiene 6 cuerdas, afinadas por cuartas y entre las medias tiene una tercera.
Puede tener distintos tipos de afinacion como:

• El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol".
• La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re".
• La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'.
• La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'
• Etc.

Su nombre significa "Viola de pierna", en Italiano. Recibe este nombre por la pocisión en la que la sostiene el músico, entre sus piernas. 
Las características de ésta viola son que: su diapasón es curvo, caja con hombros caídos, tabla armónica tallada, puente curvo, clavijero tallado para decaración.

 Viola Da Gamba con clavijero adornado.

Así suena: